Danza minada

DANZA MINADA
Nora Mezzano

LA consagración de la primavera

“Comenzar a pensar es comenzar a estar minado” ( Albert Camus)

Cada vez más los elementos heterogéneos coexistes en las expresiones contemporáneas chocando o reverberando unos en otros.La danza que por años se preocupó en dar cuenta de su autonomía y de la especificidad de su materia, en la actualidad se enlaza y comienza a dialogar con lo que antes le fuera ajeno.
Al rescate de las performances y de los happenings de los ´60 algunos coreógrafos se interrogan acerca de los compartimentos estancos, de los desplazamientos que van de la teoría a la acción, de la palabra al cuerpo, de una materialidad a otra-¿intentando acabar con la dicotomía occidental mente/cuerpo?
La danza empieza a quebrarse, a dejar ver sus fisuras e imperfecciones. La improvisación, creación en tiempo real, sube a escena y así el proceso de producción in situ asume la categoría de mostrable.
Las coreografías actuales, señala la artista y teórica serbia Bojana Cvejic, ya no recurren a la abstracción formal modernista dado que se han vuelto una práctica que explicita la búsqueda de conceptos y procedimientos en la auto-reflexión aunque siempre trazando alianzas con informaciones externas a la danza.

“Mediante la separación del movimiento del paradigma de la auto-expresión en, por, y con el cuerpo, el medium de la danza se des-naturaliza (se des-esencializa), y la coreografía se distancia de los supuestos técnicos de la composición, abandonando la idea de organización abstracta del movimiento en el espacio y en el tiempo como necesaria, así como también de las formas à priori de la sensibilidad. En otras palabras, la coreografía rompe con la dimensión histórica de la subjetividad moderna del cuerpo danzante en función de expandirse a cualquier-cuerpo-sea cuál sea, cualquier-movimiento-sea cuál sea, cualquier-procedimiento-sea cual sea. “

En un juego entre lo social y lo singular se asoman los coreógrafos y sus obras. Los coreógrafos son atravesados por un estilo de época que se les impone y los anida, un estilo en el que las fronteras desbordan en varios sentidos (entre artista-crítico, entre lenguajes y sus materias) y donde lo múltiple y el descentramiento del sujeto son claves. Desde aquí se recortan los artistas. Un recorte que en palabras de Jacques Derrida se vuelve resistencia al discurso hegemónico que los precede a tiempo que les permite nombrarse autores.
Autores en tanto su compromiso”… con una poética política, con una expresión de conceptos surgidos en la misma práctica de la construcción de performances o, lo que es lo mismo, de la construcción coreográfica “dirá Bojana Cvejic. Y autores que, a decir de Leonetta Bentivoglio“…reinventa(n) la materia danza más allá del condicionamiento de un código”.
Sin embargo el concepto de autor también se ve cuestionado en el sentido moderno del término, la autoría fragmentada en varías voces se comparte entre intérpretes, directores, artistas varios.

Consonantes con las tendencias actuales de la danza que desbordan los cánones coreográficos modernos y que desde el límite ponen en crisis las definiciones contundentes son las obras con las que propongo un diálogo crítico:


Disculpe (usted) podría coreografiarme de Laura Kalauz, se presentó en abril de 2010 en el marco del Programa Miradas. Intervenciones de danza en la Casa de la Cultura y se encuentra próxima a re estrenarse en octubre de este año.

Sin hermetismos es “jugada” con neutra ternura por Florencia Vecino y con cotidiana simpleza por la directora Laura Kalauz. Las palabras y los movimientos en vivo se multiplican en las imágenes -a cargo de Siro Bercetche- de gente que en plena actividad del día y transitando por Avenida de Mayo son interrumpidos para coreografiar a una bailarina ante una cámara.
La indicación coreográfica va cobrando forma tras pruebas y errores y sin más el transeúnte deviene en autor-coreógrafo.
Con delicada osadía, y como todos lo hacemos mientras vivimos, la obra va juntando palabra y movimiento, va arrimando público y artista, y así el arte a la vida.


Las bailarinas de Degas: Un díptico
de Ana Garat y Gabriela Prado C:C:R:Rojas 2009.

A partir de una obra escultórica (La pequeña bailarina de Edgard Degas de 1880) cada coreógrafa creó su solo. En escena dos miradas y dos transposiciones que conviven en el espacio, construyendo un díptico danzado.

Si-len-cio, performance de las bailarinas Gabriela Prado y Fabiana Capriotti y del músico Enrique Casal realizada en el Centro Cultural Rojas, 2006.
Sin una partitura, pero con una estructura con pistas internas, las performers – Prado y Capriotti- improvisan un diálogo que se modifica cada vez que la obra se construye.

La improvisación pone en crisis el paradigma clásico de la composición. Mientras que la creación clásica se divide en dos tiempos disociados para obtener un producto: primero pensar la idea- segundo, ejecutarla; en la improvisación el pensamiento se hace acción y la obra es el proceso de construcción que muta cada vez.

y Muestra Creación de Solos presentados en junio del 2010 en el Teatro del Perro como resultado de un taller anual -Creación escénica de Solos – a cargo del coreógrafo Juan Onofri Barbato.
Los intérpretes: bailarines-actores, la autoría: compartida con el docente y con los compañeros del seminario y el lenguaje, sin duda:el de la danza, pero una danza que logra relatar 3 breves historias.

CRITICA:Disculpe ( usted) podría coreografiarme de Laura Kalauz

TRASTOCAR LA DISTRIBUCION

“Una comunidad emancipada es una comunidad de narradores y de traductores”

Jacques Ranciere en el Espectador emancipado

Detrás de una educada solicitud, (que refiere a la acción realizada por el equipo performativo hacia los transeúntes antes de que la cámara sea encendida), se lee en el título la afirmación que vertebra esta performance política: usted, cualquiera de nosotros puede ser autor si así lo quisiera.
Esta afirmación conmueve cimientos muy instalados acerca de la figura del coreógrafo y planta parafraseando a Jacques Ranciere “una nueva idea de igualdad”. La performance se vuelve práctica política, según el filósofo, “trastocando la distribución de los roles”, reconfigurando el espacio y el tiempo para hacer visible lo común.
La presencia y convivencia de elementos heterogéneos en la escena es lo que permite conectar lo diverso (imágenes, danza, palabra) y crear sentidos inéditos.
Disculpe (usted) podría coreografiarme además de enmarcarse dentro del género performativo, en el que la coreógrafa Laura Kalauz viene incursionando (Turist –proyecto iniciado en el 2000-y Título- estrenada en enero de 2010 en el C.C de la Cooperación) es presentada, por la creadora crítica, como una investigación sobre el acto coreográfico y como un cuestionamiento a ciertos roles fijos en la danza (coreógrafo-bailarín).
Por sobre todo esta performance indaga en la traducción entendida por Ranciere como trabajo poético que implica el traslado de experiencias a palabras y la puesta a prueba de estas últimas.
El coreógrafo instantáneo, el transeúnte que acepta el juego, busca cómo traducir sus ideas, sus imágenes, sus saberes en danza y en movimientos que corporice (traduzca) la performer-bailarina (Florencia Vecino). Con variadas estrategias que dan cuenta de estéticas, concepciones, intereses temáticos y modalidades personales, los novatos coreógrafos dan indicaciones o muestran movimientos a la bailarina que intenta llevarlos a la acción con obediencia.
Aquí el pasaje-traducción no sólo se da de una materialidad a la otra sino de un sujeto a otro, por lo que autor e intérprete verifican constantemente si se han comprendido y si el entendimiento ha resultado óptimo.
Lo que convierte a una obra en verdaderamente política, dirá
Ranciere, es que la lógica de la emancipación este presente. Lógica que considera que además de artistas y de espectadores existe un tercer término que resulta extraño para ambos. Ninguno es propietario de la performance dado que ninguno posee el sentido último. Así el acto político consiste en desbaratar un sentido idéntico, una linealidad que iría de un emisor activo y con poder a un pasivo receptor. La emancipación, por su parte, “significa el borramiento de la frontera entre aquellos que actúan y aquellos que miran, entre individuos y miembros de un cuerpo colectivo.”
El propósito de la performance es suprimir las diferencias y para ello los espectadores forman parte de la escena (gente coreografiando) y artistas ubicados en la sala (la directora permanece entre el público salvo cuando entrevista a la performer -actividad que también llevan a cabo los espectadores). El desplazamiento de la performance a otros lugares la identifica “con la toma de posesión de la calle, de la ciudad, de la vida”.
La idea de igualdad puesta en acto en Disculpe (usted) podría coreografiarme reside en el poder común de llevar a cabo la traducción poética y en la capacidad, también común, de dar sentido siempre de acuerdo a la singularidad de cada cual.
Ante las imágenes, filmadas y editadas por Siro Berceche, no logra escapar a la risa todo aquel que haya transitado la experiencia de dar o recibir consignas para promover danza. Disculpe (usted) podría coreografiarme vuelve visible que el saber y la sensibilidad son capacidades comunes a todos y que la inclusión o exclusión es una cuestión política.

Ficha técnica:
Idea y dirección: Laura Kalauz
realización: Florencia Vecino, Laura Kalauz, Siro Bercetche
camara y edición: Siro Bercetche
dirección técnica: MIguel Solowej
produción: Prodanza Ciudad de Buenos Aires y Nada Especial Tanz

disculpe usted podría coreografiarme from laura kalauz on Vimeo.

Bibliografía:
Ranciere, Jacques. El espectador emancipado. Manantial.Bs. As,2010.
Tambutti, Susana ( directora).Primeras Jornadas Estudiantiles de Investigación en Danza 2007. Departamento Artes del Movimiento,Bs.As.2008.

OTRAS PERFORMANCES de Laura Kalauz

Dentro de TURIST hay un “ejercicio” un “Reality Dance”,como lo denomina la autora, de características similares -aunque más acotado- al planteado en Disculpe (usted) podría coreografiarme. Ese mismo fragmento se proyecta y forma parte de su otra performance: TITULO ( presentada en el 2009 y en el 2010 en El Camarín de las Musas y en el Centro Cultural de la Cooperación)

TURIST


TITULO

Más información sobre esta performance en:
Una obra sin título y en proceso de Susana Temperley en Crítica año III nº6. Revista electrónica del área de crítica de arte del IUNA,junio 2009.
http://www.iuna.edu.ar/institucional/publicaciones/pdf/20090610-critica-nro-6.pdf

CRITICA:Las bailarinas de Degas:un díptico de Ana Garat y Gabriela Prado-C.C.R.Rojas 2009-

DOS MIRADAS SOBRE UN MISMO ASUNTO
Una obra en clave contemporánea compuesta de dos solos, de dos opiniones, de dos miradas sobre un mismo asunto: La Pequeña bailarina de Edgar Degas de 1880.

La obra de Degas es una escultura en bronce, que se expuso por primera vez en 1881 con su cabello natural,con sus tules reales y encerrada en una vitrina. Fue recibida por la crítica con desprecio, la llamaron “niña-mono”.
Dos transposiciones del lenguaje de la escultura al lenguaje de la danza conviven, se cruzan, se esquivan se superponen en el espacio pero nunca se enciman en el tiempo, se suceden, se esperan…
Si bien cada artista plasma en su coreografía su particular búsqueda y su personal poética – que a veces resulta más vecina y a veces más lejana-, un elemento en común a las dos coreógrafas es la abstracción en el lenguaje de la danza. Aún identificando gestos y formas que remiten a La Pequeña bailarina, cada movimiento se despega de una traducción literal y se abre a la multiplicidad de sentidos que propicia el lenguaje que conciben estas artistas.
Ana Garat recurre a una dinámica de mucha velocidad y de alto tono muscular. Recorre el espacio en todas sus direcciones, marca centros y diagonales. El espacio con sus movimientos centrífuga a la vez que enmarca el espacio más acotado que ocupa la otra coreógrafa. Gabriela Prado, la maga del detalle, recurre a una dinámica fragmentada que vuelve visible el movimiento en cada segmento de su cuerpo. Utiliza los rincones del espacio y se desplaza sobre el friso del fondo del escenario. Sus detenciones, como fotografías de gestos y formas “copiadas” de Degas, permiten enlazar sentidos y potenciar el valor del movimiento que sigue a la pausa.
Este obra a la manera de la técnica del collage o del “arte del assemblage establece conexiones entre objetos dispares y en eso está la clave.

Solo 1
Dirección: Ana Garat

“Algún crítico del quien no recuerdo el nombre, comentó que esta niña de Degas parece un poco triste y cansada. Yo ya había definido un lenguaje y estructurado mi solo cuando escuché el comentario y mi abordaje coincidía con esa mirada. Por otro lado, hace un tiempo que el modo en que la luz incide en los objetos viene atravesando, como idea, mi trabajo. Investigo el modo en que los contornos adquieren nitidez o se desvanecen a través de la luz, conceptos del impresionismo, y cómo lograrlo en el movimiento”.Ana Garat

Solo 2:
Dirección: Gabriela Prado


“En sus pinturas, ellas no están captadas en momentos de despliegue técnico, sino más bien en posturas de descanso, de espera. Degas representa los entretelones de la danza. En mi exploración trabajé bastante estudiando la estatuilla de la Pequeña bailarina: hay algo del nerviosismo de los músculos, algo en la postura, algo de restricción de movimiento o de incomodidad y algo extrañado, en esta nena de cara un poco rara. Tomé estas características y también un poema de John Berger sobre la escultura
que habla de desequilibrios y equilibrios. Lo que hace Berger es
casi diseccionar a esta bailarina, habla de una cadera, un tobillo, un
hombro, un codo… Hay algo entre lo vivo y lo inmaterial, lo muerto,
sobre lo cual me interrogo en este trabajo”. Gabriela Prado

Ficha técnica:
Interpretación y puesta en escena: Ana Garat – Gabriela Prado/ Música original e interpretación en vivo: Alejandro González Novoa
Vestuario / Ambientación: Eliana Kuriss Dick – Julieta Harca/Iluminación: Luciana Giacobbe/Escenografía: Hencer Molina – Juan Ignacio Echeverría/Asistencia técnica: Rosaura García.

CRITICA: SI-len-cio de Prado-Capriotti-Casal.C.C.R.Rojas 2006

BAILAR EL INSTANTE

“…El discípulo zen se sienta largas horas en silencio, inmóvil, libre de toda idea o pensamiento. Abandona su propio ser y entra en el reino de la nada. No es la nada o el vacío de Occidente. Es, más bien, lo contrario, un universo del espíritu en donde todo se comunica libremente con el resto, trasciende los límites, es infinito (…) Y el énfasis está colocado menos en la razón y el argumento que en la intuición, en la sensación inmediata. La iluminación no llega a través de la enseñanza, sino a través del ojo despierto internamente. La verdad reside en “deshechar la palabra”, subyace fuera de la palabra…”

Partes del discurso pronunciado por Yasunari Kawabata al recibir el premio Nobel en 1968. Del Prólogo escrito por María Martoccia de “La Bailarina de Izu” de Yasunari Kawabata.

Improvisar significa aventurarse sin certezas a la creación de una obra en tiempo real. Las performers Gabriela Prado y Fabiana Capriotti, atraviesan una estructura con pistas, con boyas indicadoras que van enlazando en su danza a dúo. Sin garantías de recorridos, de tiempos, de estados, ellas van hallando una danza diferente cada vez.
La obra comienza con un silencio que se extiende por dos minutos. Las performers de tonicidades muy distintas-rasgo interesante por el contraste que generan en escena- danzan sobre temas comunes pero atentas a complementarse en la manera de construir danza. Todo es bello, armónico, equilibrado.”Conversan” sobre lo mismo pero cada cual con sus “palabras” y ahí sus elecciones: de formas, de velocidades, de fuerzas y fluideces.
Sonido y danza se encuentran cuando el músico (Casal) manipula una botella de plástico vacía y Capriotti se mueve a tiempo. Se vuelve imposible reconocer quién dirige, poco importa.
Junto con el movimiento y la quietud de dos excelentes bailarinas,-que investigan sobre la improvisación como artistas y como docentes desde hace años-, las luces y las sombras de Marcelo Álvarez y la sonorización y los silencios de Enrique Casal participan también construyendo en el instante. Los diversos lenguajes que conforman Si-len-cio a veces conviven independientes, paralelos, yuxtapuestos y otras interaccionan y se encuentran.
La teórica Susana Tambutti plantea que la improvisación pone en crisis el paradigma clásico de la composición. Mientras que la creación clásica se divide en dos tiempos disociados para obtener un producto -primero: pensar la idea, segundo: ejecutarla- , en la improvisación el pensamiento se hace acción y la obra es el proceso de construcción que muta cada vez. El improvisador comparte con la audiencia su proceso de elaboración recayendo en una única persona el rol de intérprete y de autor.
La hibridación de lenguajes, el azar- desordenando “los sentidos cosificados de nuestro mundo”-, la ruptura de la lectura secuencial y lineal de la obra y la inclusión de las acciones físicas de las performers son rasgos que la danza actual rescata de las performances de los 60 y 70.
La composición instantánea implica, en palabras de Prado, tomar decisiones en escena: “¿Cómo compartir lo efímero con el público, sin caer en lo redundante? ¿Cómo sostener un tema con la confianza se que éste abre paisajes nuevos para el espectador? ¿Cuándo soltar, dejar ir una situación? ¿Cómo crear sucesos nuevos sobre el devenir?”
En el título la palabra se fragmenta por guiones, se recorta y al hacerlo se enfatiza, se proclama, se invita al silencio para “escuchar” la danza, para percibir lo poético e ingresar en un estado que no es ni el más habitual ni el más transitado en el mundo occidental y logocéntrico en el que vivimos.

Bibliografía:
Araiz, Oscar y otros. Creación Coreográfica. Libros del Rojas. Universidad de Bs. As,2007.

ENLACES:
http://www.gabrielaprado.com.ar
http://www.fabianacapriotti.com.ar

CRITICA= Muestra Creación de Solos del seminario de Juan Onofrio BarbatoTeatro del Perro-junio 2010-

3 RELATOS DANZADOS

A pocas cuadras de la estación Dorrego, y en una esquina sin cartel que lo identifique se encuentra el Teatro del Perro. Allí se presentó, los miércoles de junio, la muestra Creación de Solos, producto de un trabajo de investigación y producción anual coordinado por el talentoso coreógrafo Juan Onofrio Barbato – reconocido por su obra Tualet-.
La autoría se desperdiga entre alumnos y docente, afrontando la postura de que la creación no es propiedad de un autor único sino que del intercambio, del diálogo, las ideas brotan.
Lo común, además de la soledad en escena, es la narración que despliegan sin abandonar jamás el lenguaje de la danza. Tres relatos danzadas, que a su modo también describen regodeándose en el movimiento y dilatando la fatal linealidad de lo narrativo.
Los relatos, a decir de Roland Barthes, pueden tomar parte de diferentes géneros tanto como asociarse a diversas materialidades significantes. Mientras que las estructuras narrativas resultan aliviantes en la medida que marcan una direccionalidad y una clausura, las estructuras descriptivas tienden a expandirse sin que sea posible prever el final.
En la narración hay encadenamiento de acciones, hay progresión y cambios. Generalizando, claro, la danza puede ligarse más con la operatoria descriptiva dado que el tiempo se suspende, se espacializa. Lo descripto se despliega a través de enumeraciones que parecen expandirse al infinito sobre lo mismo.
En estos solos conviven las dos operatorias, con preminencia de una sobre la otra en cada caso. Recurriendo a la gestualidad, a las repeticiones -que permiten anclar sentidos y crear lazos entre distintos momentos de la obra-, y a las acciones físicas -que producen estados emocionales, físicos, intelectuales-, los intérpretes presentan breves relatos danzados.

Uno
De y por Andrés Molina

Un hombrecito a mucha velocidad avanza accionando metonímicamente con los objetos que encuentra a su paso. En su accionar pareciera descubrirlos en sus formas, sus volúmenes y sus posibilidades lúdicas. Su veloz estado es acompañado solamente por los sonidos que produce en su interacción con ellos. Una música suave y calma, una luz cenital en el centro del espacio interrumpen y cambian todo dando respiro a la vez que reforzando el cuento.
Cuento circular que provoca risas entre los espectadores pese a contar sobre el agobio de un hombrecito.

Dos
De y por Marcela Fraiman

Probablemente el solo más abstracto, más visual y al tiempo el más conceptual y existencial de los tres. A través del uso de una tremenda lentitud va planteando el pasaje ínfimo de una postura a la otra. Un pequeño cambio-de peso, de apoyo, de rotación del cuerpo- genera variantes posturales y por ende de formas. Sus movimientos realentados permiten que el espectador nunca olvide el punto de partida.
A modo de la descomposición de una secuencia fílmica, fragmentada en sus fotogramas, se nos presenta esta danza que capta las modificaciones mínimas del cuerpo en cada nueva posición.
Se plantea entonces un trabajo analítico del movimiento y de su percepción a través de la mirada.
Peleándole a lo efímero del lenguaje de la danza esta obra logra retenerse por más tiempo en la retina.

Tres
De y por Nicolás Besasso

A modo de collage se van presentando: formas reconocibles -el saludo de Alfonsín, las posturas de Jhon Travolta, el saludo Peronista- y pasos claramente identificables dentro de la clasificación de géneros o estilos -el paso lunar de Michael Jackson, el baile de Travolta, estilos populares de baile, la danza clásica, la danza contemporánea, etc.
Lo que se presenta insertado y aislado inicialmente se irá progresivamente hilvanando a través de movimientos quebrados-de break dance- y así se irán revelando conexiones inéditas y risueñas.
El intérprete mira a público, saluda,recibe el aplauso, su propia danza va cobrando una suerte de artificiosidad semejante a “los retazos” con los que trabaja.

Exquisita experiencia, la del miércoles en el teatro de la esquina, donde gente muy entrenada, talentosa y profesional ofrece sus deliciosas danzas.

LINKS de DANZA

COREOGRAFOS

http://www.gabrielaprado.com.ar

http://www.fabianacapriotti.com.ar

http://www.movimiento.org

http;//www.tualetespectaculos.blogspot.com

DANZA Y TEATRO (textos-difusión-proyectos)

http://www.imaginacionatrapada.com.ar

http://www.revistasiamesa.com.ar

http://www.revistaDCO.com.ar

http://www.colectivoteatral.blogspot.com

http://www.accionparalela.com

http://www.danzaindependienteargentina.blogspot.com

http://www.inquietando.blogspot.com

http://www.proyectoseudo.blogspot.com

http://www.telondefondo.org

PERFORMANCES

http://performancelogia_lineasprecursorasdelperformance Art_.com.ar

http://www.movimiento.org/video/disculpe-usted-podria


Nora Mezzano es Licenciada y Profesora en Artes –combinadas- egresada de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA. Es Profesora de Expresión Corporal egresada de la Escuela Nacional de Danzas ”María Ruanova”. Profesora de Artes en Danzas -mención Expresión Corporal-IUNA
Desde 1996 se desempeña como docente del Instituto Vocacional de Arte “Manuel Labardén”, donde también realizó su formación en Educación por el Arte. Es docente de la Carrera de Composición -mención expresión corporal del IUNA -Departamento Artes del Movimiento y docente de Danza en escuelas con Intensificación en Artes.
Fue directora del Grupo de Teatro de la Facultad de Psicología-UBA- Formó parte de elencos teatrales y musicales como directora de arte y como diseñadora de iluminación (Teatro IFT, Teatro Payró, C.C. R. Rojas, Parque de la Costa, Teatro Sarmiento.)
Actualmente forma parte de una Investigación de Ubacyt Facultad de Psicología como investigadora de apoyo.
Se encuentra finalizando el Posgrado Especialización en Producción de Textos Críticos y Difusión Mediática de las Artes Area Transdepartamental de Crítica de Artes- IUNA-

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